Compré la GoPro por sus posibilidades profesionales, pero también atraído por ir experimentando. Aunque la intención inicial pasaba más por recoger itinerarios espectaculares, pronto descubrí que llevar siempre la cámara tenía un cierto valor… digamos probatorio sobre las mil y una barbaridades que, como ciclista, sufro por parte de conductores y peatones (asalto de carril bici, perros y otras lindezas).

El archivo va siendo contundente aunque hasta la fecha sólo he podido subir cinco vídeos. De todos ellos, mi favorito es este, y sólo hay que verlo completo y mirar el comentario que me dejaron allí para entenderlo:

En realidad no son más que anécdotas mientras no me pase un coche por encima, pero ya que se han dado por aludidos  alegremente tuve que responder:

En el fondo es todo cómico a su pesar. Por un lado está el hecho de que realmente en este tipo de acciones otro ciclista menos calmado se podría ir al suelo del susto, y por otro está el que se discuta aquello de lo que hay pruebas gráficas tan evidentes. Esto último es, en el fondo, una increíble paradoja de nuestros tiempos: casi todo el mundo tiene encima en cualquier momento un aparato que le permite fotografiar o grabar, algo que posibilita el que cualquier infracción o delito queden inmortalizados. A pesar de ello también existe un fastidioso ánimo de discutir lo evidente, lo que en muchas ocasiones deriva en una demostración fáctica de la incapacidad del ser humano para reconocer errores o malos actos. Y no sólo pienso en esto: una plataforma como youtube parece convertirse finalmente en una paradójica plataforma de la contestación ciudadana. El problema luego, siempre, está en el ruido.

El martes 21 realizamos un pase de la película para la comunidad educativa en el Museo Pedagóxico de Galicia, auspiciado por la Consellería de Educación e Cultura y con la presencia del conselleiro, Xesús Vázquez Abad. En estos días no tuve muchas oportunidades de pararme a analizar lo sucedido (subiré algo de lo grabado lo más rápido posible), pero acabo de rescatar ahora esto de un breve intercambio de correos con Juan Granados.

Para mi gusto fue un pase absolutamente excepcional, (…) nos regaló ese momentazo con Eva, que yo me veía venir mientras estábamos allí de pie. Creo que, una vez más, se ha dado un paso muy interesante al darles la posibilidad de enfrentarse al público (a la gente), y responden de una manera que a mí mismo me sorprende. No se trata sólo de que salieran al estrado: respiraron el respeto durante la proyección.

Blade Runner se estrenó en el 82, y por algún motivo guardo recuerdos tempranos de ella aunque es obvio que no la vi en el cine. Creo que pudo haber sido un pase nocturno en TVE2 (de aquella), como en su momento cacé el arranque de Night of the Creeps de Fred Dekker.

Las vistas de las chimeneas y el mar de luces desde donde realmente ganan es bajando de noche desde la carretera nueva de Arteixo, que tras una curva ofrece una visión creciente del complejo. Durante años era el momento perfecto para que de manera automática empezara a sonar en mi cabeza la BSO de Vangelis y recordara los ya casi tópicos diálogos de Roy.

Esta mañana me encontré un añadido, los restos de basura que alguien debió de dejar ayer y que el temporal de las últimas horas se encargó de maltratar y esparcir. Unos restos de basura muy particulares: facturas, cartas, postales, notas, y, sobre todo, fotos, incluido un curioso álbum de “Tabacos Especiales Álvaro” con una incomprensible arandela de Iberia. Teniendo en cuenta el pasado de ese lugar, de las vidas que ahí se perdieron, la sensación de los recuerdos de una vida esparcidos de esa manera no podía resultar más sobrecogedora.

La experiencia de disfrutar de la música en directo se reubica gracias a experiencias como esta, o a extrañas casualidades como la que hicieron recalar en Coruña a los Austin Tv: es, en resumen, la posibilidad de acceder a los directos de pequeño formato en grandes ciudades. Pero en realidad es, sobre todo, la posibilidad de que se reúna un público verdaderamente interesado en ese proceso mágico e instantáneo, alejandose de esa lacra de grandes formatos propia de los meses de verano.

No es reciente el argumento de que los artistas tienen en la carretera el “remedio” contra el pirateo, pero a día de hoy la reconversión de los modelos de negocio en las industrias culturales sigue siendo una discusión habitual. La entrada para los Efterklang costaba 15€, una burla de cantidad comparada con otros gastos habituales. ¿Cual tiene que ser el objetivo? Es sencillo: que más gente comprenda el valor único que supone el poder asistir a eventos de pequeño o medio formato, allí donde realmente se puede apreciar la capacidad de toda esta gente para ganarnos por los oídos con discos que luego en realidad suena mucho mejor en directo.

Me habría gustado tener una cámara de verdad a mano, pero ese día iba de paisano y lo más parecido fue la GoPro. Con todo, este cierre de concierto vale un mundo: ellos sobre el escenario prácticamente sin instrumentos, y el público haciendo cola para intercambiar regalos en el cajón de los recuerdos de viaje del grupo.

Este es sólo un ejemplo de los múltiples asaltos nostálgicos que de vez en cuando salpican la exhibición cinematográfica, algo que, en el fondo, no deja de ser la razón de ser de la rentabilidad económica de determinadas franquicias (como La Jungla de Cristal), o de muchas de las explotaciones de George Lucas a partir de su obra pasada: se producen infinidad de títulos nuevos, pero hay marcas que ya tienen hecha una gran campaña de marketing apelando a los recuerdos.

Este valor nostálgico es en muchos casos lógico: las películas antes no eran mejores, pero su concepción sí era diferente. Por poner un ejemplo, ningún intento actual de franquiciar el vampirismo llega a alcanzar las cotas de singularidad de títulos como Jóvenes Ocultos o Noche de Miedo (que precisamente se vio remakeada de manera ramplona hace un par de años). Porque la nostalgia es eso, recordar lo singular y añorarlo de alguna manera, exista o no realmente motivo para hacerlo.

Hoy un par de noticias golpearán, supongo, cierto ánimo nostálgico. Por un lado, el final de la distribución de películas en 35mm en EE.UU., y por otro, el anuncio por parte de Disney de que dejan la animación tradicional. Aparentemente, dos sucesos relacionados (el remate a una manera de entender la sensibilidad como espectadores), pero en realidad nada tiene que ver una cosa con la otra aunque vayan a despertar respuestas emocionales.

El giro final a la exhibición digital es, con perdón de la inversión, uno más de los cambios necesarios en la reconversión de la industria. O mejor que a la reconversión, a la optimización. Recientemente se desarrollaron diferentes debates en foros especializados respecto a las condiciones idóneas para disfrutar de The Master, esa película que Paul Thomas Anderson, en un arrebato de gallardía, rodó en 70mm (al igual que hace Nolan). La aparentemente triste realidad era que no existen apenas salas capaces de proyectar estas copias, cuando la auténtica desgracia es que no existen recintos con proyectores 4k que permitan reproducir la equivalencia digital de este tipo de película.

La tendencia a minusvalorar determinados aspectos de lo digital hace ya tiempo que entró en la categoría de crónica. El celuloide, al menos para la distribución de copias, deja en nuestra memoria los pequeños saltos, rallazos e imperfecciones que iban acumulando las películas según sumaban reproducciones. Las latas son enormes, pesan, y eso hace que su logística para envíos sea un coñazo.  Es simplemente, ley de vida: surge una posibilidad de minimizar costes, pero también de asegurar la vida de la copia original, que se podrá reproducir infinidad de veces sin que ningún espectador note desgaste. Que las salas estén bien preparadas ya es otro tema.

Lo de Disney, en cambio, sí es una desgracia, al menos para quienes disfrutábamos de los matices de lenguaje audiovisual que implica la animación tradicional. Lo es porque se pierda producción, pero sobre todo lo es por llevar implícito un matiz: para su actual sistema de trabajo, enfocado a servir a determinados mercados, lo que realmente sale a cuenta es la producción digital en cadena. Esto no tiene tanto que ver con la desaparición de público para la animación tradicional (siguen existiendo grandes títulos recientes), como con el enfoque de puro relleno que se le ha dado en general a la animación. Si el Phenomena Experience busca llenar la sala para rememorar la liturgia, el nuevo publico de la animación se ha forjado ante la televisión o el ordenador: la costumbre de considerarla materia infantil ha provocado su gran valor como relleno de cadenas clónicas en las que sale más rentable comprar en cadena que producir. Esto no es en sí mismo malo, pero sí lo es el que se hayan descuidado en Disney aspectos relativos a sus películas, empezando por los propios guiones, y finalizando por su empecinamiento en revestir de exclusividad la simple existencia de sus producciones, algo en lo que insistían con sus ventas por tiempo limitado, redoblajes, reediciones… Probablemente la tendencia a crear tanto tiempo muerto termino teniendo el efecto contrario: de aumentar el valor del objeto a provocar que caiga en el olvido por no enfrentarse a sus competidores.

Con todo, el cine no ha muerto por más que el digital se asiente y sigan triunfando las televisiones. Tal vez esa sea la base sobre la que jugó John Carpenter cuando dirigió Cigarette Burns, precisamente un episodio de la serie para Showtime Masters of Horror, en el que un hombre tiene que encontrar una película que, dicen, provoca la muerte de quien la ve. Carpenter, desde el asiento de la pequeña pantalla, escupe un cruel chiste de ironía pringosa y desfasada: el Mal, la adicción que provocan las imágenes, estará ahí para siempre, la supervivencia de la película va más allá de su simple existencia.

comenzamos a hablar de webdocumental con un intento de normativa en forma de manifiesto y terminamos con «relájate con las definiciones» y «haz lo que te dé la gana». En efecto, la historia del web-native cinema no ha hecho más que empezar y nadie sabe cómo va a ser, pero si algo parece claro es que se escribirá con líneas de código.

La programaremos nosotros si no queremos que nos venga programada. Le quitaremos incluso lo de «cinema» o «documentary» para evitar confusiones y debates con puristas, y relajarnos: será simplemente lenguaje web, con imágenes, movimiento, ritmo y otras cosas. Buscaremos significados hackeando significantes en busca de nuestra propia narrativa. Lo haremos juntos, lo compartiremos y ése será nuestro auténtico código fuente audiovisual.

Sin embargo, aun reconociendo el protagonismo que la socialización de la tecnología aporta, al margen del tamaño de la inversión o las tendencias del momento, el concepto sigue siendo el de siempre: contar historias.

Porque tampoco importa si esas historias son reales o ficcionadas, si hablan de futuro o del pasado, si se construyen o re-construyen, si son nuevas las imágenes o el enfoque que las trae a primera línea. Lo importante es el empoderamiento personal y/o colectivo para construir narrativas. Está claro que el criterio de división sectoriales es, probablemente, el más obsoleto de cuantos necesitan urgente revisión.

Ya en un informe previo, también muy recomendable, decía también María que con la realidad sí se puede jugar, entendido como las múltiples posibilidades de un futuro que lleva años entre nosotros, como este Histograma de la distribución emocional del mundo… conectado

Escaneando los blogs del mundo: la mitología moderna utiliza como metáfora un cielo de noche interactivo

El artista neoyorquino Jonathan Harris es experto en buscar esta emoción, y conseguirla, por medio de la programación, el diseño y la visualización de datos. Su proyecto “We Feel Fine” (2006) está programado para que un motor de búsqueda rastree en Google, en tiempo real, las frases escritas en blogs que empiecen por «I feel…», clasificando los resultados por fecha, por país, por género o por edad, de forma que podamos visualizar un mosaico de los sentimientos de muchas personas, sin ver su cara ni oír su voz, sólo procesando datos y obteniendo información sobre cuáles son los estados de ánimo, las ilusiones y frustraciones de un grupo de gente casi abstracto.  

En la misma línea, “Lovelines” bucea por todas aquellas frases que empiezan por «I love…» o «I hate…» y va trazando la líea que separa el amor del odio, con su correspondiente paisaje emocional. El diseño de la interfaz está especialmente cuidado, y es un elemento imprescindible para implicar y emocionar al espectador/usuario. Pero el elemento clave en ambos proyectos es la interacción, el hecho de que no sólo tengamos que hacer clics más o menos guiados o aleatorios. Es nuestra búsqueda la que determina lo que vamos a ver, el tipo de datos que se nos van a devolver, y somos sujetos activos de esta búsqueda. En el fondo quien cuenta la historia somos nosotros con ayuda de la máquina, y el documental es más código que imagen

Hablamos de historias, de datos, de personas… Sin duda es la potencia del audiovisual.

Albert se hizo conocido hace unos años por su extrema peculiaridad vital: con 5 años el tratamiento contra la leucemia le dejo en silla de ruedas, pero a pesar de ello decidió enfrentarse a la vida como le viniera en gana. Esto se tradujo en sacar adelante su pasión viajera, y así decidió que su estado no sería un obstáculo para recorrer mundo a pesar de sus circunstancias.

No tenía ni idea de que se estaba preparando esta película. Albert es un personaje prodigioso que no evita contar su historia cada vez que le proponen una entrevista, y esta actitud es la principal baza que permite eliminar cualquier atisbo de emotional porn en lo relativo a sus experiencias. Él no habla jamás de su capacidad de superación, sino de las cosas que ha sido capaz de hacer. En pasado, siempre, porque lo que tiene son eternos planes de futuro. En la misma entrevista en la que Marcel daba el titular del post, su padre decía:

Las varias veces que Albert ha estado a punto de morir, que no ha sido solo una… Él se ríe pero siempre te lo cuenta, por lo tanto cuando te lo está contando, está vivo

Y nos azuzan por saben que es Cine sin comillas y quieren que todo el mundo vea su película pero, además, tienen peticiones especiales: José Sacristan, Almodovar, Letizia, Bertín Osborne…

Hoy toca pase especial en Cangas, y algo está en el horno para el día de los enamorados.

Pero lo grande del Proyecto Máscaras es que crece con cada mirada y con la reflexión que va generando en el tiempo. Que no se puede encorsetar porque su riqueza está en la naturalidad en la que se van tejiendo las historias en torno a las conversaciones, como ocurrió en la película. Por eso el interés educativo desde el entorno institucional también merecía ese tiempo de tranquilidad que comentaba Javier Tamarit.

En otros sitios Web:

Publicación original en la Web de la Consellería de Educación que incluye también la transcripción completa de la conversación

En la web de la película con los subrayados especiales desde la mirada del Proyecto Máscaras.